中国美术家协会会员、中国油画学会会员、安徽省美术家协会理事、安徽省水彩画学会原副主席、安徽省美术家协会水彩艺委会原副主任、安徽省美术家协会综合材料艺委会原副主任、安徽省青年美术家协会原副主席、安徽艺术职业学院国际学院副院长，教授，安徽艺术学院教授、安徽新华学院艺术学院学科带头人，教授，国家一级美术师。

其创作美术作品：入选全国美展达20余次，其中参加由中国文化部主办的五年共有4次等

多幅作品被全国十余家美术馆收藏

2013年至2014年由中国美术家协会公派前往法国巴黎国际艺术城作为访问学者考察习。

2018年赴俄罗斯圣彼得堡列宾美术学院访进行学术交流，考察。

皖山皖水入梦来：徐公才油画写生中的“在场”与“真境”

文：余建军

  在安徽当代美术教育的版图中，徐公才教授是一个无法绕开的名字。作为安徽省艺术学校（现安徽艺术职业学院）艺术系的教授，他不仅是桃李满天下的教育家，更是一位在油画领域深耕数十载、成就卓著的艺术家。然而，当我们翻阅徐公才教授的艺术档案，试图寻找他艺术灵魂的最深处时，往往会发现一个有趣的现象：相比于那些在展厅中灯光璀璨、装裱精美的巨幅创作，他那堆积如山的写生稿，似乎更能直击人心，更能代表他艺术生命的本真状态。

  对于许多深爱徐公才教授艺术的观者而言，他的写生稿不仅仅是创作的素材或草稿，它们本身就是独立的、完整的、甚至更具生命力的艺术品。在这些写生稿中，我们看到的不是一个功成名就的教授在挥洒技巧，而是一个赤诚的画家在面对自然时，那种近乎贪婪的捕捉与深情的凝视。

一、师者之风与画者之心：从艺校主任到自然行者

  要读懂徐公才的写生，首先要读懂他的双重身份。作为安徽省艺校艺术系的主任，徐公才肩负着传承与教学的重任。在那个年代，美术教育往往容易陷入学院派的严谨与刻板之中，强调解剖、透视与光影的科学性。然而，徐公才并没有让自己被这些条条框框所束缚。相反，他深知“艺术源于生活”并非一句空洞的口号，而是绘画赖以生存的氧气。

  他常带领学生走出画室，深入皖南的古村落，攀登黄山的奇峰怪石，漫步在江淮平原的田埂之上。对于学生，这是教学；对于他自己，这是一场场朝圣般的修行。在他的写生稿中，我们看不到那种高高在上的说教气，也看不到那种为了参展而刻意经营的“制作感”。相反，我们看到的是一种极度的“在场感”。

  这种“在场”，源于他对自然的敬畏。徐公才教授常说：“大自然是最好的老师，它每一刻都在变化，你的笔触必须跟上它的呼吸。”因此，他的写生稿往往带有一种急促而热烈的节奏感。那是光线在树叶间跳跃的节奏，是微风拂过水面的节奏，也是画家心跳的节奏。他不是在描摹一个静止的物体，而是在记录一段流动的时间。这种对“真”的追求，使得他的写生稿超越了技法的层面，达到了一种精神的自由。

  二、笔触的温度：写生稿中的“未完成”之美

  特别令人着迷的，是徐公才教授写生稿中那种独特的“未完成感”。在传统的审美观念中，一幅好画应当是面面俱到、精细入微的。但在徐公才的写生里，我们看到了大量的“留白”与“概括”。

  这种概括，绝非偷懒，而是一种高度的提炼。面对复杂的自然景观，徐公才拥有一双能够透过现象看本质的眼睛。他善于舍弃那些琐碎的细节，直接抓住物体的大关系、大色块。你看他画皖南的民居，往往几笔浓重的赭石与花青，就能勾勒出马头墙在夕阳下的剪影；他画路边的杂草，或许只是几道迅疾的绿色线条，却能让观者感受到野草疯长的生命力。

  这种笔触是带有温度的。在那些看似潦草的线条背后，隐藏着画家当时当刻的情绪波动。也许是清晨露水的清凉让他下笔轻盈，也许是正午烈日的炙烤让他用色浓烈，也许是傍晚归途的宁静让他色调柔和。这些情绪被封印在油彩的肌理之中，等待着观者去解封。

  相比于经过层层覆盖、修饰完美的创作稿，写生稿保留了绘画过程中最珍贵的“偶然性”。那些飞白、那些色彩的并置、那些因为时间紧迫而留下的笔痕，都是画家与自然对话的直接证据。它们不完美，但它们真实。这种真实，具有一种粗砺的美感，如同皖山皖水本身，不加修饰，却动人心魄。

   三、色彩的诗意：光影流转中的皖风徽韵

   徐公才教授的写生稿，是一部色彩的诗集。他深受印象派光影理论的影响，但他并没有生搬硬套西方的色彩规律，而是将其与中国传统的审美意境相结合，创造出了一种独属于安徽大地的色彩语言。

   在他笔下的安徽，不是灰暗的，也不是艳俗的，而是充满诗意的。他善于捕捉光线在不同时间段的变化。清晨的雾霭中，他的画面笼罩在一层淡淡的蓝紫色调里，朦胧而神秘；正午的阳光下，他又大胆地使用高纯度的黄色与绿色，表现出万物生长的热烈；而在黄昏时分，那温暖的橘红色调则充满了怀旧与温情。

   特别是在表现皖南古村落时，徐公才对黑白灰的处理达到了出神入化的境界。徽派建筑特有的白墙黑瓦，在西方油画体系中很难处理，容易显得单薄或死板。但徐公才通过丰富的环境色反射，让白墙有了冷暖的变化，让黑瓦有了通透的质感。他笔下的白墙，不再是单纯的白色，而是包含了天光、树影、苔痕的复合色；他笔下的黑瓦，也不再是死黑，而是闪烁着岁月光泽的深灰与深蓝。

  这种对色彩的敏感，源于他对这片土地深沉的爱。他画的不仅仅是风景，更是风景背后的文化记忆。那一棵棵古老的樟树，那一座座斑驳的石桥，那一条条流淌的小溪，在他的色彩笔下，都仿佛有了灵魂，在向观者诉说着过往的故事。

   四、构图的智慧：方寸之间的天地大观

  虽然写生稿往往尺幅不大，但徐公才教授在构图上却展现出了大家风范。他不被眼前的景物所局限，而是善于在取景框中进行“剪裁”与“重组”。

  他的构思往往出奇制胜。有时，他会将视平线压得极低，让高大的树木或建筑占据画面的绝大部分，给人一种仰视的崇高感；有时，他又会采用特写式的构图，只截取风景的一个局部，如一角屋檐、一丛野花，通过局部的精致来暗示整体的宏大。

  更重要的是，他的构图中充满了中国画的“虚实相生”之理。在西画讲究焦点透视的同时，他巧妙地融入了散点透视的游移感。画面中总有透气之处，总有视线可以延伸的空间。这种空间感，不是物理上的深远，而是心理上的辽阔。

  在他的写生稿中，我们经常能看到一些看似“失衡”的构图，但细细品味，却发现其中蕴含着微妙的平衡。这种平衡不是对称的平衡，而是动态的平衡，是力量与重量的博弈。这正是他艺术成熟度的体现——敢于打破常规，在险绝中求平正。

  五、教育的传承：写生作为一种精神传递

  作为安徽省艺校艺术系的主任，徐公才教授的写生稿还具有特殊的教育意义。对于他的学生而言，这些写生稿就是最好的教材。

  他通过自己的行动告诉学生：画画不是闭门造车，不是对着照片描摹，而是要走到户外，去感受风，去触摸土，去聆听水声。他展示的是一种观察世界的方法，一种对待艺术的态度。

  在他的写生稿中，学生们看到的不仅仅是如何调色、如何运笔，更看到了一位老艺术家对艺术的执着与热爱。那种在烈日下挥汗如雨的身影，那种为了捕捉一瞬间光影而废寝忘食的精神，比任何课堂上的理论讲解都更具感染力。

  这种精神，通过一代代学生的传承，已经融入了安徽美术教育的血脉之中。如今，当我们看到安徽涌现出那么多优秀的青年画家，他们的作品中依然能看到那种扎根生活、关注现实的优良传统时，我们不禁要感叹徐公才教授当年的言传身教之功。

  六、结语：未完成的永恒

  在这个图像泛滥、人工智能作画日益精进的时代，手绘的价值究竟在哪里？徐公才教授的写生稿给了我们最好的答案。

  手绘的价值，在于那份不可复制的“人味”。机器可以计算出最完美的光影，可以模拟出最逼真的质感，但它无法模拟画家在面对美景时那一刻的心动，无法模拟笔尖触碰画布时的那份阻力与快感，无法模拟岁月在画家手上留下的痕迹。

  徐公才教授的写生稿，之所以让我们特别喜欢，是因为它们记录了生命。每一张画，都是他生命中的一段时光，都是他与这个世界深情相拥的证据。这些画作或许没有宏大的叙事，没有深刻的哲理，但它们有温度，有气息，有那个时代独有的纯真与质朴。

  它们是未完成的，因为生活永远在继续，艺术探索的道路永远没有终点。但也正因为这种“未完成”，它们才拥有了永恒的魅力。它们像是一扇扇敞开的窗，邀请着我们走进去，走进徐公才教授的艺术世界，走进那片美丽的皖山皖水，去感受那份久违的宁静与感动。

  愿我们都能像徐公才教授那样，保持一颗敏感而赤诚的心，在纷繁复杂的世界中，找到属于自己的那片风景，并用手中的笔，将其永远地珍藏。