繁华间—白玉兰（油画） 200×200厘米 2020年 李江峰

李江峰是当代中国油画本土化探索中极具个人风貌的艺术家，她致力于将中国传统写意精神融汇于油画语言，探寻这一美学传统的当代表达。从早期松树系列中刀笔劲利、骨力雄健的斩截笔势，到近年来色彩浓烈、气象丰沛的花间世界，李江峰对自然的关照与表现贯穿其创作始终。对她而言，自然并非等待描摹的客体，而是连接外部世界与内在经验的媒介，也是她进入绘画、感知生命的一条路径。“在心物相游之间生长”，既概括了她创作的内在状态，亦是解读她艺术实践的关键线索。

日前，“生长——李江峰作品展”在宁波美术馆开展，展览以五个板块呈现了李江峰的近年创作，包括“化象成境”“繁花间”等大型代表作系列及“峰·趣”“爱物”等饱含日常诗意的作品。其中，16.8米长的巨幅新作《青田》尤为夺目，作品以宏阔尺幅将森林、海岸与天空置于同一画面之中，构成此次展览的视觉核心。

李江峰生于河北承德，少时便喜爱临摹《芥子园画谱》，早年的传统绘画研习为她日后的创作奠定了扎实的笔墨基础与写意观念。虽经历过系统的学院美术体系训练，但她没有被教学范式所规训，而是博采众长为我所用，在实地写生与生活积淀中求索前行，慢慢淬炼出率真洒脱、富有生命张力的艺术面貌。中央美术学院副院长于洋对此总结道：“李江峰是画出来的画家”。20世纪90年代，年仅20余岁的她便凭借鲜明的绘画风格在中国美术馆举办了个人油画作品展，后调入北京画院担任专职画家；此后多次在海内外举办个展，作品屡获国家级展览奖项。

解读李江峰的绘画，可以从中国文联副主席许江对其创作内核“应物而无累于物”的概括开始。她取材于现实自然，却不拘泥于对客观物象的精准复刻，而是将目之所及的山川草木，内化为独属于自我的生命感知。北方故土的风物记忆，赋予作品沉厚雄健的精神气质；长期对景写生的实践则锤炼着她对色彩、形体和空间的敏锐感受。松树、风荷、百合以及各类草木，在她的画面中脱离了现实世界中明确的季节、地理和物种秩序，依循艺术家内心情绪重组排布，逐渐成为与艺术家精神经验相互作用的视觉存在。

在物象的取舍与再造之下，“生生不息”的东方生命哲思也流淌于她的画面之中。李江峰所描绘的自然是动态的自然：花木的盛放意味着时间的流动，繁茂之间又埋下凋零的伏笔，生成与消逝互为表里，构筑起生命的循环。《青田》是这一观念的呈现载体，树木向画面之外不断延展，模糊着天、海、陆地的边界，扑面而来的首先是奔涌而出的生命气息。在面对这幅鸿篇巨制时，观者亦无法依靠单一视角尽收全貌，需要移动、驻足、不断调整观看位置，画面中自然的无限延伸与生命的缓缓流动，就此转化为观众可切身体验的空间感受。

这一由观物抵达心物相游的创作理念，最终凝练为李江峰辨识度极高的艺术语言——书写性。她尝试将中国传统水墨画中“写”的精神要义，转化成油彩画布上的身体实践。于她而言，笔触除描摹形体，更留存运笔的力度、速度与节奏；色彩也不是对客观世界固有色调的简单复刻，而是承担着建构画面秩序、抒发内在心绪的作用。从她画中常见的勾线可窥一二：李江峰用取自写意绘画的线条去勾描树木、石头的轮廓，她并不追求轮廓与物象外表的严丝合缝，而更看重线条本身携带的运笔气势，以此捕捉物象内在的精神气韵。至此，传统语境中的“写”，成为她以身体介入绘画、以行动生成画面的一种方式。

在展览期间的现场创作，让这种原本隐藏在作品内部的身体经验更为直接地呈现在观众面前。李江峰持续在展厅中完成了“生长”系列的三组作品《雨林幽序》《执笔遇繁花》《雨林暮光》，空白画布经由艺术家的身体动作一点点成型，观众能直观看见艺术家观察、感受、落笔和推进的过程。当创作者、画面、展厅、观者形成这种互动关系时，“生长”便不再只是画面主题，而是让心物相游、笔墨生发的内在创作逻辑变得可视可感。从“应物而无累于物”的心物立场，到对“生生不息”的生命体悟，再到具有身体性的油彩书写，李江峰不断追问的，是人与万物如何相遇、如何共生，又如何在彼此的感知中重新确认自身。她所承继的，不是传统绘画的某种样式，而是其中关于由观物而及心、由形而见神的精神传统；她所使用的油画材料，也不只是一套既定的技法体系，而是重新激活传统经验的当代语言。于是，草木不再只是草木，自然也不再只是风景，它们在笔触与色彩的往复生发中，成为生命经验的回声。所谓“生长”，既是万物的状态，也是李江峰自身的状态——一笔落下，万象徐徐铺展；一画完成，人与世界的联系，获得了一次重新的照见和确认。